Ghost in the Shell no gozó de un particular apoyo crítico en su estreno, pero su llegada a formato doméstico permite redescubrir un filme visualmente apabullante. Igualmente espectacular es la caracterización de Scarlett Johansson como la mayor Motoko Kusanagi, personaje protagonista del manga de Masamune Shirow y las posteriores adaptaciones al anime obra de Mamoru Oshii, mucho más dramáticas y pesimistas que la obra original. La película de Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) recoge ese tono más bien existencial y refuerza el hilo conductor del "Puppet Master" original, y lo empaqueta con algunos motivos propios del cine americano USA contemporáneo "a la Jason Bourne": la ansiedad de Motoko por conocer su identidad original sustituye la reflexión entre materia y espíritu del anime en un filme donde el alucinante diseño de producción (un poco Blade Runner, un poco Minority Report) y la trama de thriller policial ochentero a lo Walter Hill (el original de Shirow ya tenía mucho de eso, aunque sea por coincidencia cronológica) acaban tomando los mandos.
Penny Dreadful es una de las mejores series de los últimos años. Y su corta duración, apenas tres temporadas, no hace sino hacerla más accesible ahora que tenemos el pack de las tres temporadas en DVD. Una pena que Ryan Murphy y su antología American Horror Story se hayan llevado todas las alabanzas de los fans de las series, y de las series de terror, dejando la creación de John Logan y Sam Mendes, recién salidos de su aventura 007, un poco en la estacada. En sus manos, este pulp de motivos de terror resulta dramáticamente desolador, repleto de personajes trágicos del terror decimonónimo (Frankenstein, el Hombre Lobo, Dorian Gray, Drácula...) con más chicha que la de los experimentos metanarrativos de Murphy. Dirigida en algunso episodios por los españoles Juan Antonio Bayona y Paco Cabezas, y pese a sus posibles defectos, la densidad de las interpretaciones de una portentosa Eva Green y la buenísima factura "de serie inglesa" dan un peso y gravedad trágica a Penny Dreadful que se disfrutan, y mucho.
Quienes leyeran mi reseña de Múltiple, el último filme de M. Night Shyamalan, el pasado mes de febrero ya sabrán de mi sello de aprobación (o devoción) a sus dos últimos filmes de bajo presupuesto, La visita y el que nos ocupa, que el hindú afincado en Philadelphia se ha cocinado con el habitual micropresupuesto servido por el productor Jason Blum. La presente es otro desfile de retruécanos y suspense del director de El Sexto Sentido, plenamente recuperado de anteriores desastres, pero con ese sangrante humor negro(que en ocasiones hasta se chotea del/con el espectador) que no siempre se le reconoce. El esperado giro final, destinado a generar un "universo Shyamalan" que ríanse ustedes de Marvel, convierte el show en algo distinto a lo que creíamos estar viendo, una fusión del cine de psicópatas y el relato heroico que ya vimos en la segunda de las joyas que nos dio Shyamalan década y media atrás. Si sumamos una divertida interpretación de James McAvoy, los ojos de Anya Taylor-Joy, pues felices y todos a mirar a su próxima película, Glass.
Manchester frente al mar se tuvo conformar con un Oscar al mejor actor (Casey Affleck) y guión (Kenneth Lonergan) porque, ya saben, había que premiar a ese telefilme llamado Moonlight de una manera u otra (o quizá había algún que otro pero a una producción de Amazon). La película más triste de la temporada es también una de las más esperanzadoras, porque a algo se tiene uno que agarrar cuando se ve implicado en un suceso cotidiano como el que el personaje de Affleck, aquí justificadamente taciturno y solitario, se carga a sus espaldas. La historia de un humilde fontanero que tiene que hacerse cargo de su sobrino tras la muerte de su hermano, y lo que vamos descubriendo que arrastran ambos a través de un puñado de terribles flashbacks, goza de una tensión y realismo que Lonergan obtiene de los detalles más nimiosy cotidianos. Casi todas las elecciones de Manchester frente al mar, cuyo argumento no se distancia mucho de un telefilme de sobremesa, convierten la obra de Lonergan en una gran película, una historia de retorno al hogar y redención antipática donde las haya y que carece de un final concluyente (fuera paternalismos con el espectador). Ambientada en una América invernal, solitaria y fría, pero de una belleza sin igual, en ella lo único medianamente discutible podría ser su discordante opción musical a la hora de ilustrar la acción.
Todas las temporadas hay un filme de terror que resulta una revelación, y la francesa Crudo es el de la una de las últimas, porque mucha gente todavía necesita recurrir a esas etiquetas comerciales para recomendar tal o cual película de miedo. En el caso de Crudo, ganadora de premios en Cannes, Sitges y numerosos festivales de cine fantástico, todo está, sin embargo, más que justificado. Se trata de una pequeña producción independiente que narra una historia de canibalismo que en realidad es de autodescubrimiento y maduración femeninas, una analogía que la directora Julia Ducournau maneja con conocimiento de causa y perfecto control de la imagen. Sobria, atmosférica y estratégicamente cafre, este cuento de adolescencia y vida adulta ofrece compensaciones tanto a los fans de la sangre como a la de los relatos (ñam ñam) sutiles.
