La Virgen de Guadalupe llega a El Prado

El Museo del Prado ha anunciado la incorporación a su colección, en calidad de depósito temporal por un año, de una pintura enconchada de gran formato que representa a la Virgen de Guadalupe, procedente del antiguo convento de la Preciosísima Sangre de las monjas capuchinas de Castellón de la Plana. La obra se exhibe en la sala 18 del edificio Villanueva, donde el público podrá contemplarla dentro del discurso expositivo del museo.

Una técnica de origen novohispano

El enconchado es una técnica artística desarrollada en la Nueva España durante los siglos XVII y XVIII. Consiste en la aplicación de delgadas láminas de concha nácar sobre la superficie de la pintura, lo que aporta un brillo característico y convierte a cada obra en un objeto de especial valor decorativo y simbólico.

La pieza llegada al Prado cubre con conchas casi toda la figura de la Virgen, excepto las encarnaciones, lo que refuerza el contraste cromático. Esta forma de trabajar permitía a los artistas dotar de un carácter luminoso y casi sobrenatural a las imágenes religiosas, reforzando así su dimensión devocional.

La institución resalta la calidad, tamaño y delicadeza de la pintura, elementos que la convierten en una de las manifestaciones más representativas de esta técnica. Por su formato monumental, la obra reproduce con gran fidelidad la imagen original de la Virgen de Guadalupe que se venera en la basílica mexicana, a tamaño real.

Un ejemplar único por sus dimensiones

Según la información ofrecida por el Museo del Prado, esta pintura forma parte de un reducido grupo de enconchados dedicados a la Virgen de Guadalupe que alcanzan dimensiones excepcionales. Solo se conocen dos obras de gran formato: la que ahora se expone en Madrid y otra que se conserva en la parroquia de San José, en Tlaxcala (México), de factura muy similar aunque con un marco de plata.

Este tipo de piezas no eran habituales en el ámbito novohispano, donde predominaban formatos más reducidos destinados a la devoción privada. La monumentalidad de la obra de Castellón revela tanto la importancia del culto guadalupano como la capacidad de los talleres artísticos para adaptar la iconografía a diferentes contextos.

El marco de la pieza expuesta en el Prado está decorado con motivos vegetales y animales —uvas, flores, pájaros y mariposas— que refuerzan la riqueza plástica de la composición y dialogan con el carácter simbólico de la imagen.

De Castellón al Museo del Prado

La procedencia de la obra resulta igualmente significativa. Hasta ahora se encontraba en el convento de la Preciosísima Sangre de las monjas capuchinas de Castellón de la Plana. Su traslado al Prado, en calidad de depósito temporal, facilita tanto su conservación en un entorno especializado como su acceso al público general.

La pintura formó parte de la exposición "Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España", organizada recientemente por el museo. En esa muestra se analizó cómo la devoción a la Virgen de Guadalupe se difundió en el ámbito hispano y cómo sus imágenes llegaron a distintos puntos de la Península. La presencia de esta obra en la exposición permitió contextualizar su relevancia dentro de un fenómeno artístico y religioso de gran alcance.

Una iconografía central en la época

El tema de la Virgen de Guadalupe, tal como se plasmó en el enconchado de Castellón, incorpora no solo la imagen central de la Virgen, sino también las cuatro apariciones que, según la tradición, se produjeron en el cerro del Tepeyac en 1531. Este esquema iconográfico se convirtió en un modelo recurrente en el arte novohispano y fue fundamental para consolidar el culto guadalupano.

El gran formato de la pintura refuerza la idea de una copia fiel a tamaño real de la imagen original, algo poco frecuente en este tipo de obras. De este modo, la pieza expuesta en el Prado se inscribe en una tradición que buscaba ofrecer a los fieles una experiencia visual cercana a la veneración de la propia imagen mexicana.